Il 13 novembre 1940, Fantasia fece il suo debutto in un numero limitato di sale in tredici città statunitensi. All'epoca, le recensioni furono miste e il film non ebbe un grande successo economico a causa dei costi di produzione elevati, delle attrezzature Fantasound necessarie e della Seconda Guerra Mondiale, che limitarono le proiezioni.
Oggi, grazie ai restauri, al crescente apprezzamento del pubblico e alla pubblicazione in streaming su Disney Plus, Fantasia ha guadagnato oltre 76 milioni di dollari solo negli Stati Uniti ed è uno dei film Disney più amati, posizionandosi al ventiduesimo posto tra i maggiori incassi di sempre (al netto dell'inflazione). Celebriamo il suo anniversario ricordando la storia e alcune curiosità di questa iconica pellicola d’animazione.
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- Fantasia: otto atti tra musica e arte visiva
- Le origini dell'opera
- La scelta dei brani
- La scelta del titolo e le prime idee tecniche
- La produzione dei diversi atti
- La realizzazione del comparto sonoro
- La nascita del Fantasound
- I progetti successivi legati a Fantasia
- Premi e riconoscimenti
- Fantasia negli altri media
Fantasia: otto atti tra musica e arte visiva
Fantasia si mostrò al grande pubblico come un'opera di animazione più "colta" e strutturata come se fosse un'opera teatrale suddivisa in otto atti. La pellicola non aveva un vera e propria trama e questo stranì il pubblico e fu una delle tante ragioni del suo insuccesso iniziale. Fantasia, infatti, si apre con scene live action di membri di un'orchestra che si riuniscono su uno sfondo blu e accordano i loro strumenti in penombra. Il maestro di cerimonie Deems Taylor entra in scena introducendo il programma.
Si inizia con Toccata e Fuga in Re minore di Johann Sebastian Bach. Le riprese dal vivo dell'orchestra sono illuminate in blu e oro e vengono arricchite da ombre sovrapposte che sfumano in motivi astratti. Linee animate, forme e formazioni di nuvole riflettono il suono e i ritmi della musica. Si passa a Lo Schiaccianoci di Pëtr Il'ič Čajkovskij in cui le scene di ballo sottolineano le scene che raffigurano il cambio delle stagioni dall'estate all'autunno fino all'inverno. Viene presentata una varietà di danze con fate, pesci, fiori, funghi e foglie, tra cui la Danza della Fata Confetto, la Danza Cinese, la Danza Araba, la Danza Russa, la Danza degli zufoli e il Valzer dei fiori.
Si continua con uno degli atti più incredibili, ovvero L'apprendista stregone di Paul Dukas basato sul poema di Goethe del 1797 Der Zauberlehrling. Qui fa il suo ingresso Topolino, il giovane apprendista dello stregone Yen Sid, che tenta alcuni dei trucchi magici del suo maestro, ma non sa come controllarli. Al termine di questo emozionante atto, si procede a La sagra della primavera di Igor Stravinsky, nonché una storia visiva degli inizi della Terra con sequenze di ballo. La sequenza procede dalla formazione del pianeta alle prime creature viventi, seguita dal regno e dall'estinzione dei dinosauri.
Intervallo / Incontra la colonna sonora è lo stacco in cui i musicisti dell'orchestra si allontanano e viene rivelato il titolo del titolo Fantasia. Una sorta di intervallo come quello che avviene nel corso di ogni spettacolo o concerto. Dopo di questo vi è una breve jam session di musica jazz guidata da un clarinettista per allietare lo spettatore prima del ritorno dei membri dell'orchestra e su schermo viene proiettata una dimostrazione stilizzata e umoristica della riproduzione sonora del film.
A questo punto si passa alla Sinfonia n. 6 "Pastorale" di Ludwig Van Beethoven dove compare un mitico mondo greco-romano composto da centauri colorati e "centaurette", amorini, fauni e altre figure della mitologia classica, il tutto a ritmo con la colonna sonora di Beethoven. Danza delle Ore di Amilcare Ponchielli è il penultimo atto dove compare un balletto comico in quattro sezioni: Madame Upanova e i suoi struzzi (mattina), Giacinta l'ippopotamo e le sue servitrici (pomeriggio), Elephanchine e la sua compagnia di elefantesse che soffiano bolle di sapone (sera), Ben Ali Gator e il suo gruppo di alligatori (notte). Il finale mostra tutti i personaggi che ballano insieme finché il loro palazzo non crolla.
L'atto conclusivo è Una notte sul Monte Calvo di Modest Petrovič Musorgskij e Ave Maria di Franz Schubert. Qui si nota il diavolo Chernabog che si sveglia a mezzanotte evocando gli spiriti maligni e le anime inquiete dalle loro tombe. Gli spiriti danzano e volano nell'aria finché non vengono respinti dal suono di una campana dell'Angelus mentre la notte sfuma nell'alba. Si sente un coro che canta l'Ave Maria mentre una fila di monaci in tunica è raffigurata mentre cammina con torce accese attraverso una foresta e tra le rovine di una cattedrale.
Le origini dell'opera
Le radici di quest'opera risalgono al 1936, quando Walt Disney decise di rilanciare il personaggio di Topolino, all’epoca simbolo dello studio Disney, aumentandone la popolarità. Ideò quindi il cortometraggio L'Apprendista Stregone (più efficace in inglese come The Sorcerer's Apprentice), ispirato all'omonimo poema di Goethe del 1797 e accompagnato dal pezzo orchestrale composto nel 1897 da Paul Dukas, anch’esso basato sul racconto.
L’idea di fondere animazione e musica classica non era nuova per Disney, già esplorata con la serie Sinfonie Allegre (Silly Symphonies) nel 1928, ma Walt desiderava superare il semplice slapstick, creando cortometraggi dove “la fantasia pura si muove su uno schema musicale che affascina il mondo irreale”. Dopo aver ottenuto i diritti musicali nel luglio del 1937, Disney prese in considerazione un direttore d’orchestra celebre per dare prestigio al progetto.
A Hollywood, Walt incontrò Leopold Stokowski, direttore della Philadelphia Orchestra dal 1912, e durante una cena al ristorante Chasen’s gli parlò del suo cortometraggio. Stokowski accettò volentieri e si offrì di dirigerlo. Dopo altri incontri, la collaborazione fu formalizzata solo il 16 dicembre 1937, autorizzando Stokowski a selezionare e dirigere un’orchestra completa. Disney affittò quindi uno studio ai Culver Studios in California, dove la registrazione, durata tre ore, fu realizzata alla mezzanotte del 9 gennaio 1938, con ottantacinque musicisti hollywoodiani.
I costi de L'Apprendista Stregone salirono vertiginosamente arrivando a quota 125.000 dollari, una cifra enorme per l’epoca, allarmando Roy Disney, responsabile delle finanze. Roy voleva che il fratello mantenesse bassi i costi aggiuntivi, ma nel febbraio 1938 l'idea evolse in un lungometraggio. Il contratto di Stokowski fu quindi esteso, e si decise di chiamare il progetto The Concert Feature, con un presentatore che introducesse ogni brano del programma.
Fu scelto Deems Taylor, compositore e critico musicale, nonostante fosse impegnato con Pinocchio, Bambi e la costruzione del nuovo studio Disney di Burbank. Per esigenze di produzione, Taylor fu convocato anticipatamente; lasciò New York in treno e raggiunse Los Angeles, dove rimase per un mese. Casualità volle che il viaggio, durato circa due giorni, arrivò in ritardo, mentre erano già iniziati gli incontri per selezionare i brani di The Concert Feature.
La scelta dei brani
I narratori Disney Joe Grant e Dick Huemer collaborarono con Stokowski, Taylor e i capi dei vari dipartimenti per selezionare le musiche. Ogni riunione venne trascritta dagli stenografi, e i partecipanti ricevevano una copia della conversazione per la revisione, consentendo nelle successive riunioni di valutare e scartare i brani meno adatti.
Molte scelte vennero eliminate durante i colloqui, tra cui il Moto Perpetuo di Paganini, il Preludio in sol minore e la Troika di Rachmaninoff, e una versione di The Song of the Flea di Mussorgsky, che avrebbe dovuto essere cantata da Lawrence Tibbett. Il 29 settembre 1938, una sessantina di artisti Disney si radunarono per un concerto di pianoforte di due ore e mezza con i brani selezionati, e venne proiettata una versione preliminare de L'Apprendista Stregone.
Il giorno successivo, i brani definitivi vennero scelti: Toccata e Fuga in re minore, Cydalise et le Chèvre-pied di Pierné, Lo Schiaccianoci, Una notte sul Monte Calvo, Ave Maria, La Danza delle Ore, Chiaro di Luna di Debussy, La Sagra della Primavera, e L'Apprendista Stregone.
Tuttavia, Chiaro di Luna fu presto eliminato dal programma di Fantasia, poiché Disney e i suoi scrittori faticarono a creare una storia concreta per Cydalise. La sua marcia d’apertura, L'entrata dei piccoli fauni, venne sostituita con parti della sesta sinfonia di Beethoven.
La scelta del titolo e le prime idee tecniche
Il nuovo lungometraggio continuò ad essere noto come The Concert Feature o Musical Feature fino al novembre 1938 quando Hal Horne, un addetto stampa per il Disney RKO Radio Pictures, suggerì Filmharmonic Concert.
Venne quindi realizzato un concorso in studio per un titolo che portò a quasi 1.800 suggerimenti tra cui Bach to Stravinsky and Bach e Highbrowski by Stokowski. Tuttavia, il preferito tra i supervisori del film fu Fantasia poiché non era "solo la parola, ma il significato che leggiamo in essa".
Per la realizzazione di Fantasia vennero utilizzati oltre 1.000 artisti e tecnici per curare più di 500 personaggi animati. I segmenti animati erano colorati scena per scena in modo che i colori in un singolo scatto si armonizzassero con quelli successivi. Prima che lo schema narrativo di un segmento fosse completo, uno schema di colori generale venne progettato per l'atmosfera generale della musica e modellato per corrispondere allo sviluppo del soggetto.
Il dipartimento di modellazione dei personaggi dello studio scolpì anche modelli tridimensionali in argilla in modo che gli animatori potessero vedere il loro soggetto da tutte le angolazioni.
Le scene live action vennero girate utilizzando il processo Technicolor a tre strisce, mentre i segmenti animati furono realizzati in fotogrammi successivi in giallo, ciano e magenta. I diversi pezzi di pellicola furono poi uniti insieme per formare una stampa completa per poi essere girata tramite una fotocamera multi-piano in grado di gestire sette livelli, tre in più rispetto alla vecchia fotocamera multi-piano dell'epoca.
La produzione dei diversi atti
Passiamo adesso in rassegna la produzione dei diversi microatti di Fantasia:
Toccata e fuga in re minore
Disney si era interessata alla produzione di animazioni astratte da quando aveva visto A Color Box di Len Lye del 1935. Spiegò che il lavoro svolto in Toccata e Fuga fu "nessuna idea improvvisa, perché è qualcosa che avevamo nutrito per diversi anni ma non l'abbiamo mai fatto avuto la possibilità di provare". I progetti preliminari includevano quelli dell'animatore degli effetti Cy Young, che aveva già prodotto disegni influenzati dall'andamento della colonna sonora.
Alla fine del 1938 la Disney assunse Oskar Fischinger, un artista tedesco che aveva prodotto numerosi film d'animazione astratti, inclusi alcuni di musica classica, per lavorare in collaborazione con Young. Dopo aver esaminato tre bobine Leica prodotte dai due, la Disney le rifiutò tutte. Fischinger era abituato ad avere il pieno controllo del suo lavoro e non voleva lavorare in gruppo. Sentendo che i suoi progetti erano troppo astratti per un pubblico di massa, Fishinger lasciò lo studio in apparente disperazione, prima che l'atto venisse completato nell'ottobre 1939.
Lo Schiaccianoci
In questo atto l'animatore Art Babbitt accreditò i I tre marmittoni come guida per l'animazione dei funghi danzanti nella scena della Danza Cinese. Disegnò con uno spartito musicale appuntato alla sua scrivania per elaborare la coreografia in modo da poter collegare l'azione alla melodia e al contrappunto.
Lo studio, poi, filmò i ballerini professionisti Joyce Coles e Marjorie Belcher mentre indossavano gonne da balletto che assomigliavano a dei fiori che dovevano sedersi sopra l'acqua per Danza degli zufoli. Un ballerino arabo è stato anche costretto a studiare i movimenti del pesce rosso per la Danza Araba e infine Jules Engel lavorò alla coreografia e al color keying per l'intera sequenza.
L'Apprendista Stregone
L'animazione iniziò il 21 gennaio 1938, quando James Algar, il regista del segmento, assegnò all'animatore Preston Blair il compito di lavorare sulla scena in cui Topolino si sveglia dal suo sogno. Ciascuno dei settecento membri del personale dell'epoca ricevette una sinossi del poema di Goethe del 1797 Der Zauberlehrling, e fu incoraggiato a completare un modulo di venti domande che richiedeva le loro idee su quale evento sarebbe stato realizzato.
Il disegnatore di layout Tom Codrick creò quelle che Dick Huemer descrisse come "miniature dai colori brillanti" dagli schizzi preliminari dello storyboard utilizzando colori a guazzo, che hanno caratterizzato un uso più audace del colore e dell'illuminazione rispetto a qualsiasi precedente cortometraggio Disney. Mickey venne ridisegnato dall'animatore Fred Moore che aggiunse le pupille ai suoi occhi per la prima volta per ottenere una maggiore gamma di espressione.
La maggior parte del segmento venne, poi, girata in live action, inclusa una scena in cui a un atleta dell'UCLA venne chiesto di correre e saltare attraverso uno dei palcoscenici dello studio tempestato di barili. Questo venne utilizzato come riferimento quando Topolino attraversa l'acqua. I disegnatori del film disegnarono “in segreto” lo stregone con alcuni elementi che lo facevano assomigliare al loro capo, Walt Disney. Non a caso lo stregone si chiama Yen Sid, D-i-s-n-e-y letto al contrario.
La sagra della primavera
Una delle prime idee riguardanti questo segmento fu quella di estendere la storia all'era dei mammiferi e dei primi umani, alla scoperta del fuoco e al trionfo dell'uomo. John Hubley, l'art director del segmento, spiegò che l'idea venne successivamente ridotta dalla Disney per evitare polemiche da parte dei creazionisti che promisero di creare problemi se avesse collegato l'evoluzione con gli umani.
Per ottenere una migliore comprensione della storia del pianeta, lo studio ricevette la guida di Roy Chapman Andrews, il direttore dell'American Museum of Natural History, dal biologo inglese Julian Huxley, dal paleontologo Barnum Brown e dall'astronomo Edwin Hubble. Gli animatori studiarono comete e nebulose all'Osservatorio di Mount Wilson e osservarono un branco di iguane e un cucciolo di alligatore che vennero portati nello studio. Il punto di vista venne mantenuto basso per tutto l'atto per aumentare l'immensità dei dinosauri.
Sinfonia n. 6 "Pastorale"
Nella realizzazione del segmento mitologico greco Sinfonia n. 6 "Pastorale", le centaure erano originariamente disegnate a petto nudo, ma l'ufficio di Hays che applicava il codice di produzione cinematografica insistette che appendessero delle ghirlande al collo.
Anche i centauri maschi vennero attenuati per apparire meno intimidatori per il pubblico. Originariamente le donne centauri nere lucidavano gli zoccoli e pulivano le code dei centauri bianchi, ma anni dopo queste scene furono tagliate per ragioni razziali pregiudizievoli.
Danza delle Ore
Questo atto venne diretto da Norman Ferguson e Thornton Hee e fu completato da undici animatori. La maggior parte della storia fu delineata in un incontro nell'ottobre 1938, inclusa la creazione del personaggio principale dell'alligatore, Ben Ali Gator. La sua storia, la direzione, il layout e l'animazione vennero sottoposti a diverse riscritture, ma la Disney ha sempre voluto mostrare gli animali mentre eseguono una sequenza di danza caricaturale con scene comiche.
Il design degli elefanti e degli alligatori era basato su quelli dell'illustratore tedesco Heinrich Kley, mentre gli ippopotami e gli struzzi erano basati su quelli del fumettista T. S. Sullivant. Per avere un'idea migliore sui movimenti degli animali, la troupe visitò il Griffith Park Zoo di Los Angeles e all'animatore John Hench venne assegnato il compito di lavorare sul segmento, ma inizialmente rifiutò perché sapeva poco di danza. Disney, però, insistette e regalò all'artista gli abbonamenti per il Ballet Russe de Monte Carlo con accesso al backstage così che potesse saperne di più.
Lo studio filmò diverse persone in live action per aiutare con l'animazione dei personaggi. Lo struzzo principale, Madmoiselle Upanova, è basato su Irina Baronova e Hyacinth Hippo, la prima ballerina, è stata ispirata dalle ballerine Marge Champion e Tatiana Riabouchinska e dall'attrice Hattie Noel che pesavano oltre 91 kg. Il marito di Riabouchinska, David Lichine, venne assunto per i movimenti di Ben Ali Gator.
Una notte sul Monte Calvo e Ave Maria
La prima fu diretta da Wilfred Jackson e la sua storia seguì da vicino le descrizioni che Mussorgsky aveva scritto sulla sua partitura originale della poesia tonale. Chernabog venne animato da Vladimir Tytla ispirandosi al design di uno schizzo a matita dell'artista svizzero Albert Hurter. Nonostante Hurter non avesse mai prodotto animazioni per la Disney, lo studio lo assunse temporaneamente per produrre schizzi a matita da cui gli animatori trassero ispirazione.
Chernabog e parti del segmento vennero ulteriormente sviluppati dall'illustratore danese Kay Nielsen. Tytla, invece, condusse una ricerca su tutti i personaggi che aveva animato ed essendo ucraino, conosceva il folklore che la storia descriveva. Curiosamente Walt Disney ricevette per anni lamentele da parte dei genitori su questo episodio, perché a quanto pare le scene spaventavano troppo i loro figli.
Per Ave Maria la Disney non voleva molto movimento animato, ma gradiva che il segmento portasse in primo piano l'artwork di sfondo. Uno schema della storia iniziale mostrò la fine del segmento con una Madonna presentata sullo schermo con le nuvole intorno, ma la Disney decise di non realizzarlo perché non voleva mettere in mostra immagini eccessivamente religiose. Fu vagliata anche l'idea di diffondere profumi in tutto il cinema durante la proiezione di Fantasia, compreso l'odore di incenso durante l'Ave Maria.
La realizzazione del comparto sonoro
Disney desiderava sperimentare tecniche avanzate di registrazione e riproduzione del suono per Fantasia. Per la registrazione dell'Apprendista Stregone nel gennaio 1938, i suoi ingegneri collaborarono con la RCA Corporation per creare più canali audio, permettendo così di ottenere un bilanciamento dinamico ideale durante l’ascolto.
Il palco fu modificato con partizioni semicircolari in doppio compensato per separare l'orchestra in cinque sezioni e incrementare il riverbero. Tuttavia, man mano che la produzione di Fantasia progrediva, questo assetto venne abbandonato per diversi setup di registrazione multicanale.
Il 18 gennaio 1939, Stokowski firmò un contratto di diciotto mesi con Disney per dirigere i pezzi restanti con la Philadelphia Orchestra. Le registrazioni iniziarono in aprile e durarono sette settimane presso l'Accademia della Musica, selezionata per la sua acustica eccellente. Trentaquattro microfoni vennero disposti intorno all'orchestra, catturando il suono su otto macchine ottiche nel seminterrato della sala.
Ogni macchina corrispondeva a un canale audio per una specifica sezione strumentale: violoncelli e bassi, violini, ottoni, viole, fiati e timpani. Il settimo canale univa i primi sei, mentre l'ottavo forniva il suono generale dell'orchestra. Un nono canale dava agli animatori un click track per sincronizzare i disegni con la musica. Nei quarantadue giorni di registrazione furono impiegati 147.000 metri di pellicola, per un costo di quasi 18.000 dollari.
Quando le registrazioni furono pronte, il 14 luglio 1939, venne organizzata una riunione per permettere agli artisti di ascoltare gli arrangiamenti di Stokowski e proporre modifiche sonore per meglio integrare la musica nei loro segmenti.
La nascita del Fantasound
I fratelli Disney contattarono David Sarnoff della RCA per realizzare un sistema innovativo che potesse “dare l’impressione che un'orchestra sinfonica suonasse dal vivo nel cinema”. Sebbene inizialmente esitante per ragioni economiche, Sarnoff accettò nel luglio 1939, a condizione che i Disney contenessero i costi previsti di 200.000 dollari (circa 3,7 milioni di dollari nel 2019). Anche se le tecniche erano ancora da definire, gli ingegneri della Disney e della RCA eseguirono numerosi test su varie configurazioni di apparecchiature per raggiungere l'obiettivo.
La collaborazione portò alla creazione di Fantasound, un innovativo sistema audio surround stereofonico che introdusse tecniche oggi ampiamente adottate, come la registrazione multitraccia, l'overdubbing e la riduzione del rumore. Fantasound, sviluppato in parte dall’ingegnere Disney William Garity, utilizzava due proiettori simultanei: uno conteneva il film con una colonna sonora mono come backup, l'altro eseguiva una versione sonora mixata delle nove tracce registrate all'Accademia, divise su quattro canali, di cui tre destinati agli altoparlanti del palco sinistro, centrale e destro, e il quarto come traccia di controllo per gestire gli amplificatori a guadagno variabile e controllare il volume delle tracce.
Inoltre, tre altoparlanti aggiuntivi vennero posizionati a sinistra, a destra e al centro dell’auditorium, usati come canali surround derivati dai canali sinistro e destro del palco. Poiché la registrazione originaria era stata fatta a modulazione quasi di picco per migliorare il rapporto segnale/rumore, la traccia di controllo consentì di riportare le dinamiche ai livelli scelti da Stokowski.
Per creare l'effetto di movimento del suono fra gli altoparlanti, venne usato un dispositivo chiamato "pan pot", che controllava il passaggio del suono di ciascun canale attraverso la traccia di controllo. Il missaggio richiese sei tecnici che gestivano i vari pan pot in tempo reale, mentre Stokowski dirigeva ogni variazione di livello, segnata sulla sua partitura musicale.
Per monitorare i livelli, Disney utilizzò oscilloscopi con differenziazione di colore, per minimizzare l'affaticamento visivo. Inoltre, Disney acquistò otto oscillatori elettronici dalla neonata Hewlett-Packard per testare le apparecchiature di registrazione e i sistemi di altoparlanti. Tra riprese, stampe e rifacimenti, furono utilizzati circa tre milioni di metri di pellicola sonora per Fantasia, di cui quasi un quinto del budget complessivo fu destinato alle tecniche di registrazione.
I progetti successivi legati a Fantasia
Sebbene inizialmente il film non ebbe il successo desiderato, tanto che rischiò di far fallire l'intera azienda Disney, nel 1980, il Los Angeles Times riferì che gli animatori Wolfgang Reitherman e Mel Shaw stavano iniziando a lavorare su Musicana, "un concetto ambizioso che mescola jazz, musica classica, miti, arte moderna e altro, seguendo il vecchio formato Fantasia". Insomma, Fantasia era stato un flop, ma l'idea negli anni destò interesse e venne visto come un progetto avveniristico e rivoluzionario.
I segmenti proposti per il film includevano una battaglia tra un dio del ghiaccio e una dea del sole ambientata in Finlandia, uno ambientato nelle Ande con le canzoni di Yma Sumac, un altro con caricature di Louis Armstrong ed Ella Fitzgerald e un adattamento di L'usignolo dell'Imperatore che avrebbe caratterizzato Mickey come il proprietario dell'usignolo, simile al suo ruolo nell'Apprendista Stregone. Il progetto, però, venne accantonato a favore del Canto di Natale di Topolino.
Roy E. Disney, il nipote di Walt, successivamente co-produsse Fantasia 2000, entrato in produzione nel 1990 che presentava sette nuovi segmenti eseguiti dalla Chicago Symphony Orchestra con il direttore James Levine. L'Apprendista Stregone fu l'unico segmento mantenuto dal film originale e il film debuttò alla Carnegie Hall il 17 dicembre 1999 come parte di un tour di concerti dal vivo in cinque città, seguito da un impegno di quattro mesi nei cinema IMAX e da un'ampia uscita nelle sale regolari nel 2000.
Lo sviluppo iniziale di un terzo film iniziò nel 2002, con il titolo provvisorio di Fantasia 2006. Si prevedeva di includere The Little Matchgirl di Roger Allers e One by One di Pixote Hunt, ma poi il progetto fu annullato nel 2004 trasformando il lungometraggio in semplici segmenti pubblicati come cortometraggi individuali.
Nel 2010 dal segmento de L'Apprendista Stregone ne è stato realizzato un film live-action vagamente ispirato, con l'omonimo titolo, che a sua volta si basa sull'omonimo poema sinfonico del 1890 di Paul Dukas, ispirato all'omonima ballata del 1797 di Johann Wolfgang von Goethe. Il film vede come interpreti principali Nicolas Cage e Jay Baruchel, ed è diretto dal regista Jon Turteltaub.
Premi e riconoscimenti
Per quanto riguarda i riconoscimenti, Fantasia si classificò quinta al National Board of Review Awards del 1940 nella categoria Top Ten Films. Disney e Stokowski ricevettero un premio speciale ai New York Film Critics Circle Awards del 1940, mentre il film ottenne due Academy Honorary Awards il 26 febbraio 1942: uno assegnato a Disney, William Garity, John N.A. Hawkins e la RCA Manufacturing Company per il loro "eccezionale contributo al progresso dell'uso del suono nei film grazie alla produzione di Fantasia", e un altro a Stokowski e collaboratori "per il loro straordinario risultato nella creazione di una nuova forma di musica visualizzata nella produzione di Walt Disney Fantasia, ampliando così il potenziale del film come intrattenimento e arte".
Nel 1990, Fantasia venne selezionata per la conservazione nel National Film Registry della Library of Congress degli Stati Uniti come opera "culturalmente, storicamente o esteticamente significativa". In occasione del centenario del cinema, nel 1995, il Vaticano inserì Fantasia tra i suoi 45 "grandi film" nella categoria Arte. Il film è inoltre presente in tre elenchi dei più grandi film americani stilati dall’American Film Institute. Infine, nella Top 10 dei migliori film di sempre, elaborata nel 2008, Fantasia si è posizionata al quinto posto nel genere Animazione.
Fantasia negli altri media
Fantasia è parodiato in Uno strano concerto, un cortometraggio del 1943 della Warner Bros. nella serie Merrie Melodies. Qui Taddeo interpreta Taylor, con occhiali simili ai suoi, introducendo due segmenti su brani di Johann Strauss. Nel 1976, Bruno Bozzetto produsse il lungometraggio Allegro non troppo, ispirato esplicitamente a Fantasia.
La serie animata I Simpson omaggia Fantasia in vari episodi. Matt Groening, il creatore, avrebbe voluto fare un film parodia intitolato Simpstasia, ma il progetto non si realizzò per la difficoltà di scrivere una sceneggiatura per un lungometraggio. In La paura fa novanta IV, il regista David Silverman si ispirò all'animazione di Una notte sul Monte Calvo per creare l’aspetto di Flanders Diavolo simile a Chernabog. Nell'episodio Grattachecca e Fichettolandia, si parodia L’apprendista stregone con il frammento Scratchtasia, riprendendo la musica e diverse scene.
Anche South Park fa riferimento a Fantasia: in Il dramma di Mr. Hankey, quest’ultimo indossa un costume da mago e scatena un’ondata di liquami che richiama la tempesta evocata da Topolino in L’apprendista stregone. Nella serie canadese A tutto reality - Azione!, nell'episodio Orgoglio di principessa, il personaggio Chris assegna ai concorrenti ruoli fiabeschi, dando ad Harold il ruolo del “piccolo Apprendista Stregone” con un cappello simile a quello di Topolino.
Il cappello di Topolino in L’apprendista stregone è diventato un’icona dei Disney's Hollywood Studios a Walt Disney World Resort, dove si trovano anche i Fantasia Gardens, un campo da minigolf ispirato ai personaggi e agli oggetti del film. Lo spettacolo Fantasmic! integra scene de L’apprendista stregone e altri segmenti di Fantasia su schermi d'acqua, e vede Topolino affrontare i Cattivi Disney nel ruolo di apprendista.
Nel 1991 uscì un videogioco per Sega Mega Drive sviluppato da Infogrames, dove il giocatore, nei panni di Topolino, esplora quattro mondi ispirati ai segmenti del film alla ricerca di note musicali. In Epic Mickey, uscito nel 2010 per Wii, invece, ci sono livelli ispirati a L’apprendista stregone con apparizioni di Yen Sid e Chernabog.
Nella serie Kingdom Hearts di Disney/Square Enix, Chernabog è un boss nel primo episodio, accompagnato dal brano Una notte sul Monte Calvo. Yen Sid ha un ruolo parlante in Kingdom Hearts II ed è doppiato da Corey Burton, mentre in Kingdom Hearts 3D: Dream Drop Distance appare Sinfonia stregata, un mondo ispirato a Fantasia. Inoltre, in Disney Infinity, Topolino è presente come personaggio giocabile nei panni dell’Apprendista Stregone. Sempre in tema giochi, ma spostandoci a qualcosa di più analogico, il Topolino di Fantasia oltre ad altri elementi della pellicola d'animazione possono essere trovati sottoforma di carte del TCG Disney Lorcana.
Nel 1990, per il cinquantesimo anniversario del film, venne prodotto un documentario sulla sua realizzazione. Presentato dall’attore Michael Tucker, il documentario include contributi di Leonard Maltin, Roy E. Disney, Ollie Johnston, Ward Kimball e altri artisti che lavorarono al film. Venne distribuito in allegato alla videocassetta del film nell’edizione deluxe del 1991.
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